ANTIVERO LADO C

www.antiveroladoc.blogspot.com

SOUNDTRACK

www.belmarsoundtrack.blogspot.com

CRISTIÁN CUTURRUFO

Cuturrufo es un apellido tradicional del norte de Chile, que ha dado varias generaciones de pianistas y acordeonistas destacados. Cristián Cuturrufo, su más reciente y destacado representante, es calificado por la crítica especializada como uno de los trompetistas de jazz más destacados a nivel latinoamericano y el mejor exponente en la escena chilena actual. Su carrera ha sido meteórica y hoy está en su punto más brillante... Ya tiene varios discos editados que se han vendido con éxito, lo que no es muy común en el jazz y ha participado en los festivales internacionales más importantes, asi como en jam sessions en Sudamérica, Estocolmo, Copenhague, Islandia, París y otros. En Chile, fue discípulo aventajado del trompetista Daniel Lencina y se perfeccionó en técnicas de respiración en La Habana, con Luis Allmañi, de la famosa banda "Afro Cuban All Star". Ha grabado con Valentín Trujillo, Angel Parra Trío y otros talentos de las nuevas generaciones del jazz chileno.

LENNIE TRISTANO ( 1919 - 1978 )

Nacido en Estados Unidos en el seno de una familia de inmigrados italianos, tuvo una infancia marcada por una grave enfermedad congénita en los ojos, que le provocó una ceguera total a los nueve años de edad. Matriculado en una escuela para invidentes, allí recibió sus primeras nociones musicales aprendiendo el manejo de media docena de instrumentos.
Su inclinación hacia el jazz, en vez de a la música clásica, fue por la necesidad de hacer dinero y también, como no, por el efecto que causo en él la música de Duke Ellington y otros pianistas importantes del jazz. Su música y el momento histórico en que se gestó, provocó que se le asociara con el denominado estilo "Cool", dentro de las corrientes vanguardistas del jazz, algo que siempre rechazó. Su escasa discografía está repleta de grandes obras maestras, y siempre rechazó cualquier veleidad de comercializar su música y los intentos de su casa discográfica para vender mejor su música.

BUD POWELL ( 1924 - 1966 )

Del mismo modo que Thelonious Monk, acertó al iluminar la escena del jazz moderno a través de composiciones no sujetas a modelo alguno, Bud Powell dictó las claves fundamentales del nuevo lenguaje pianístico sin necesidad de asirse a referencias palpables. Todavía hoy en día, constituye la cumbre técnica insuperada del piano "bebop", recordado como el músico más influyente de este movimiento, después de Charlie Parker.

Bud fue un niño prodigio: a los siete años, sus vecinos músicos se lo llevaban con ellos para que los demás pudieran admirar su manera de tocar. Fué un hombre brillante. Siempre había música en su cabeza, siendo un apasionado en la obra de Beethoven. En cierto modo, Ludwig y Bud, eran tipos similares: trágicos, complejos, de personalidades profundas. Una personalidad trágica cuya vida y talentos fueron destruidos gradualmente por su enfermedad mental (derivada de una paliza en la cabeza recibida a los 21 años, tras haber defendido a su compañero y mentor Monk de la brutalidad policial), por los draconianos tratamientos psiquiátricos que recibío internado por largos períodos de su vida y por el alcoholismo. Lo anterior, más fallas hepáticas, tuberculosis y desnutrición, hicieron de él un ser de mirada perdida y con evidentes dificultades motoras en sus últimos años de existencia.

BILL EVANS ( 1929 - 1980 )

Conocido como uno de los pianistas más carismáticos de la historia. Recordado por sus habilidades técnicas como el mejor pianista de raza blanca en el mundo del jazz. Un personaje tan sutil que desaparece detrás de su música, como si las teclas del piano tuvieran vida propia y no necesitaran de una mano que las pulsara. Acompañado únicamente de batería y bajo, buscando siempre el diálogo equilibrado dentro del formato trío y huyendo del modelo de solista exacerbado. Creador de una estética más que de un estilo, Bill Evans modificó profundamente la armonía, el fraseo y los conceptos rítmicos del instrumento y renovó totalmente el arte pianístico. Su música elegante y serena no se correspondía con la realidad de su vida desastrosa y llena de excesos. Fue uno de esos espíritus de cristal, que se quiebran al menor soplo...

Vivió sus últimos años obsesionado por la idea de la muerte, falleciendo debido a una insuficiencia hepática y a una hemorragia interna provocada por su condición de adicto a la heroína y cocaína, un sombrío lunes 15 de septiembre de 1980, cuando se encumbraba por los cincuenta años de edad...

ART TATUM ( 1909 - 1956 )

A diferencia de la mayoría de los músicos de jazz, que solían rearmar armonizaciones innovadoras cambiando las progresiones de acordes que acompañaban la melodía, Tatum raramente abandonaba la línea melódica original. También se inclinaba por rellenar los espacios en blanco de las melodías con curiosas improvisaciones, característica escencial de su estilo. Además, expuso ideas armónicas que fueron bien recibidas durante su tiempo, y que fueron emuladas por los músicos de la era del Bebop. Empleaba su genialidad técnica, su memoria prodigiosa, sus conceptos armónicos y su genio musical para crear una biblioteca de obras maestras para piano. A diferencia de Miles Davis o John Coltrane, quienes crearon una escuela de entusiastas emuladores del estilo de cada uno, Tatum fracasó al intentarlo tal vez debido a que sus composiciones eran muy difíciles de copiar. Como resultado, es prácticamente un desconocido para el público de hoy.

Uno pocos años después de su fallecimiento (vinculado al consumo de alcohol y a su intenso ritmo de trabajo), un estudiante universitario inventó el término que ahora es de uso común en el campo de musicología computacional: El Tatum: la unidad perceptiva de tiempo más pequeña dentro de la música.

A LOVE SUPREME

"Esta es la primera vez que he recibido toda la música que necesito para grabar, en una suite. Esta es la primera vez que lo tengo todo, todo a punto."

Hay un antes y un después de Coltrane... Son muchos los músicos que incluso hoy toman como punto de referencia lo que este excepcional músico aportó al Jazz. Pero Coltrane no es un artista que surge de la nada, con un estilo propio y ya innovador desde sus primeras grabaciones, muy al contrario, estamos ante un estudioso que con profundo respeto hacia los que le precedieron, pretende y consigue revolucionar no solamente la forma de interpretar, sino sobre todo la de transmitir cada una de las sensaciones que su privilegiada mente acoge.

"A Love Supreme" es considerada como una de las grabaciones más importantes de la historia del jazz. Este disco de John Coltrane significa una síntesis de sus exploraciones preliminares y la piedra de toque de toda la liberación musical que emprendería en los dos años y medio de vida que le deparaba el futuro...

Grabado el 9 diciembre de 1964 para el sello Impulse! por el cuarteto que completan Elvin Jones, Jimmy Garrison y McCoy Tyner, "A Love Supreme" se convirtió en un éxito de ventas hasta el día de hoy combinando prolijidad, provocación y espiritualidad. El disco es una plegaria de treinta minutos dividida en cuatro partes: "Acknowledgement", "Resolution", "Pursuance" y "Pslam" con una progresión temática y emocional que alcanza su culminación en su conclusión.

http://belmar.podomatic.com/enclosure/2006-08-07T00_39_33-07_00.mp3

http://belmar.podomatic.com/enclosure/2006-08-07T00_28_44-07_00.mp3

http://belmar.podomatic.com/enclosure/2006-08-06T22_44_28-07_00.mp3

http://belmar.podomatic.com/enclosure/2006-08-06T22_12_52-07_00.mp3

BITCHES BREW

El jazz ha sido siempre una música de fusión. Desde sus inicios a fines del siglo XIX, el jazz se desarrolla y evoluciona sin mayores pretensiones mezclando con gran facilidad la música popular norte-americana, el son cubano, el samba brasilero, el tango argentino, entre otros géneros. En su enfoque contemporáneo, el jazz mantiene las huellas que dejaron estos estilos. Sin embargo, el concepto de fusión en el jazz se torna más evidente y relevante hacia fines de la década de los años 60 y especialmente por Miles Davis y su obra "Bitches Brew", de 1969. Este álbum es el resultado de la combinación de ideas que venía forjando de años y de una abrupta ruptura con su pasado. Davis ya había usado teclados eléctricos y guitarras y ritmos rockeros como también post producciones en el estudio ( como en el experimental "In a Silent Way").

En Bitches Brew usa todos estos elementos y crea un álbum de improvisaciones. En vez de preocuparse de crear armonías sofisticadas o experimentos estructurales, Miles enfoca la obra en simples melodías sobre repetitivos e hipnóticos acompañamientos rítmicos. En su autobiografía Miles relata: "Yo conducía, como un director de orquesta, cuando empezamos a tocar, y escribía un trozo de música para alguien o le indicaba que tocara cosas diferentes que yo oía mientras la música crecía y se transformaba. Las sesiones de grabación fueron un proceso del desarrollo creativo, una composición viva. Como una fuga, o un motiv, al que todos reaccionábamos. Después que llegaba hasta cierto punto, le pedía a un músico que tocara algo diferente". En fin, una jam session magistral...

El surco más interesante es "Bitches Brew", que constituye un resumen orgiástico del disco logrado en 26 minutos: dos baterías y dos contrabajistas marcan un ritmo concentrado, dándole espacio a Miles para que cree un solo maravilloso. El tema lo habían ensayado la noche anterior y fue el primero en grabarse. Ilustra la manera en que Davis dirige e influencia a los músicos mientras improvisan.

En "Bitches Brew" hubo un brillante e innovador trabajo de post-producción, obra de Teo Macero quien, junto a Miles, pero más veces por si solo, escogió las tomas, las editó y creó de todo eso el producto final. Usó cámaras de eco, reverberación y "loops" o repeticiones para alargar ciertos trozos de cinta.

En "Pharaohs's Dance" de Zawinul, un tema con toques orientales y un ritmo casi inexplicable, Davis y Shorter crean un mantra jazzístico: el piano rhodes de Zawinul es lúgubre, mientra McLaughlin y Maupin también participan en la improvisación.

http://belmar.podomatic.com/enclosure/2006-08-06T20_42_58-07_00.mp3

DEDICADO A CHARLIE PARKER...

Ni Marcel ni Art se han dado cuenta ayer de que Johnny no estaba loco cuando se sacó los zapatos en la sala de grabación. Johnny necesitaba en ese instante tocar el suelo con su piel, atarse a la tierra de la que su música era una confirmación y no una fuga. Porque también siento esto en Johnny, y es que no huye de nada, no se droga para huir como la mayoría de los viciosos, no toca el saxo para agazaparse detrás de un foso de música, no se pasa semanas encerrado en las clínicas psiquiátricas para sentirse al abrigo de las presiones que es incapaz de soportar. Hasta su estilo, lo más auténtico en él, ese estilo que merece nombres absurdos sin necesitar de ninguno, prueba que el arte de Johnny no es una sustitución ni una completación. Johnny ha abandonado el lenguaje hot más o menos corriente hasta hace diez años, porque ese lenguaje violentamente erótico era demasiado pasivo para él. En su caso el deseo se antepone al placer y lo frustra, porque el deseo le exige avanzar, buscar, negando por adelantado los encuentros fáciles del jazz tradicional.

Julio Cortázar ( Extracto de "El Perseguidor", 1959 )

http://belmar.podomatic.com/enclosure/2006-08-06T18_59_22-07_00.wma

THELONIOUS MONK QUARTET WITH JOHN COLTRANE AT CARNEGIE HALL

Las presentaciones de Thelonious Monk en vivo probablemente son tan imprevistas y enigmáticas como era su personalidad. La registrada en esta placa es una de sus últimas apariciones en público, el 29 de Noviembre de 1957.

Contiene las más clásicas composiciones del pianista presentadas en formato de cuarteto (con John Coltrane incluído), ensamble no muy común en su obra pero que definitivamente le permite embarcarse en interpretaciones mucho más relajadas pero igualmente personales y geniales.

http://belmar.podomatic.com/enclosure/2006-08-06T19_08_16-07_00.wma

KIND OF BLUE

Fue grabado durante dos días: el 2 de marzo y el 2 de abril de 1959. Es una obra fundamental no sólo dentro de la producción de Miles Davis sino de la historia del jazz. Su éxito tal vez se deba a que esta creación se sitúa en un punto de equilibrio entre las diversas corrientes jazzísticas. Aceptado de la misma forma por aquellos más ortodoxos que por los más innovadores, así como un disco perfecto para atraer la atención de los no iniciados.

Kind Of Blue desarrolla el concepto "modal", que consiste en que el intérprete improvisa sobre una serie de escalas, en vez de hacerlo sobre acordes o armonía. Aparte de este enfoque, las composiciones eran totalmente originales, y los músicos por tanto desconocían previamente tales composiciones.

Sin ningún ensayo previo y estando los interpretes dotados de grandes aptitudes creativas, podría haberse esperado cualquier resultado debido a la natural confrontación de egos... Pero todo se desarrolló perfectamente: cada uno de los músicos buscando donde reside la magia del registro: equilibrio, serenidad, belleza y sencillez.

http://belmar.podomatic.com/enclosure/2006-08-06T20_13_24-07_00.mp3